Розы в живописи – не просто цветы.

Давайте порассуждаем, почему именно белая и красная роза стали главными героинями натюрмортов, портретов и аллегорий.

Война Алой и Белой розы: Молчание цвета. Сама Война Алой и Белой розы — это серия междоусобных конфликтов английской знати в 1455 - 1485 годах за власть над страной. Главными противниками выступали две ветви династии Плантагенетов — Ланкастеры (символ — алая роза) и Йорки (символ — белая роза) Самый очевидный культурный код, закрепленный в сознании европейца, — это геральдическое противостояние Йорков и Ланкастеров. Но в живописи эта тема вышла далеко за пределы исторической хроники. Когда мы видим на полотне букет, где белые и красные розы сплетены в объятии, это почти всегда иносказание о примирении, браке или хрупком перемирии.

Известен апокрифический сюжет, который любили прерафаэлиты: встреча враждующих сторон в саду, где с куста срывают две розы. Здесь флористика работает как предсказание. Если художник изображает, что лепестки красной розы опадают, а белая только распускается — это политический комментарий, плач по проигравшим. Роза в живописи перестает быть просто цветком, она становится знаком принадлежности, паролем для посвященных.

«Небесная» белизна и «Земная» кровь

В религиозной живописи, особенно эпохи Ренессанса, розы — атрибут Девы Марии.

Но почему рядом с Богоматерью мы часто видим именно белые, а не красные бутоны?

Белая роза в иконографии «Розария» (Rosarium) — это символ непорочности, чистоты, божественной любви, лишенной плотского желания. Это райский цветок до грехопадения. У нее нет шипов, или шипы скрыты — намек на непорочное зачатие, отсутствие мук и страсти.

Мадонна в розарии

Бернардино Луини (c.1480-1532)

Мадонна с розами.

Тициан ок. 1530

Вспомним так же эту прекрасную

акварель в духе символизма «Роза в стакане» (в народе часто называемая «Роза» или «Белая роза») — шедевр позднего периода творчества Михаила Врубеля, созданный им в 1904 году.

Врубель написал этот натюрморт в психиатрической клинике доктора Фёдора Усольцева. Туда он попал после тяжелейших душевных потрясений, включая потерю маленького сына. В борьбе со своими демонами художник явно уповает на Милосердие Божие.

А что же красная? Красная роза появляется в сценах Распятия. Капли крови Христа, падая на землю, прорастают алыми розами. Связь красной розы с Христом и Его распятием — одна из самых глубоких и многогранных в христианской символике. Этот цветок, особенно его алый оттенок и острые шипы, стал мощной визуальной метафорой, которую художники использовали на протяжении веков.

Символ Страстей Христовых - Красная роза напрямую ассоциируется с кровью Спасителя, пролитой во искупление грехов человечества. Её цвет напоминает о ранах от гвоздей и копья, а шипы на стебле являются недвусмысленной аллюзией на терновый венец, которым увенчали Христа перед казнью. Таким образом, изображение красных роз в сценах Распятия или рядом с крестом усиливает драматизм и указывает на тему мученичества и жертвенной любви.

Ян ВаеКассель Старший Живопись, 1660-е ,20.3×15.2 см

Это трансформация смерти в жизнь, страдания в красоту.

Художники помещали красную розу в натюрморты vanitas как напоминание: красота плоти скоротечна, она уколет шипом и увянет, оставив лишь воспоминание о багрянце крови.

Теперь перенесем взгляд на светский портрет. Посмотрите на дам эпохи Рококо или на полотна английских художников XVIII–XIX веков. Что держит в руках юная аристократка? Часто это белая роза. Что лежит у ног куртизанки или femme fatale? Красная.

Одним из самых красноречивых примеров является творчество Данте Габриэля Россетти. Его женщина — это не просто человек, а воплощенный цветок. В картине «Вероника Веронезе» или в изображениях Джейн Моррис красная роза у губ модели символизирует чувственность, почти наркотическую притягательность, «любовь земную». Белая лилия или роза рядом — тоска по недостижимой духовности.

Ну и невозможно не упомянуть «Олимпия» — знаменитая картина французского художника-импрессиониста Эдуарда Мане, созданная в 1863 году. Показ этого полотна на Парижском салоне 1865 года спровоцировал один из самых громких скандалов в истории мирового искусства

В XIX веке публика была привычна к обнаженной женской натуре, но только если это были мифические богини или нимфы. Мане нарушил все правила Академии художеств.

• Вместо богини — куртизанка: Художник изобразил реальную, современную парижскую проститутку. Само имя «Олимпия» в те годы было популярным псевдонимом среди дорогих представительниц этой профессии.

• Прямой и дерзкий взгляд: Модель смотрит на зрителя прямо, оценивающе и без капли стыда, как на пришедшего клиента. В то время это сочли верхом цинизма и непристойности.

• Реакция толпы: Посетители выставки были настолько взбешены, что плевали в картину и пытались проткнуть её зонтиками. Администрации Салона пришлось приставить к полотну охрану и перевесить его под самый потолок.

Сюжет и скрытые символы

Мане взял за основу классический шедевр Тициана «Венера Урбинская», но полностью перевернул его смысл.

• Черный кот: Заменил верную собаку из картины Тициана. Кот с поднятым хвостом в правом углу считывался современниками как символ похоти и борделей.

• Служанка с букетом: Темнокожая служанка приносит Олимпии роскошные цветы — очевидный подарок от богатого гостя, который ждет за дверью. Из всей пастельной белоснежности полотна нам ярким намеком страсти бросаютс в глаза красные цветы.

• Детали одежды: На девушке остались только туфли-мюли на каблуках, браслет и шелковая ленточка на шее. Наличие обуви и украшений лишь подчеркивало её полную наготу, делая образ еще более плотским. И вновь на покрывале цветыалого страсти.

Скрытые послания в эпоху пуританства.

Интересно, что в викторианском «языке цветов» сочетание белого и красного в одном букете означало единство душ или просьбу о прощении после ссоры. Художники использовали этот код буквально. Если на семейном портрете жена держит красную розу, а муж белую, это могло быть признанием в том, что пылкая любовь укрощена уважением, либо же скрытым намеком на неравный брак по страсти.

Обычно викторианская эпоха ассоциируется с пуританским временем, когда поведение дам и джентльменов строго регламентировалось. Открытое выражение своих чувств и симпатий расценивалось как признак дурного тона и вызывало бурю негодования и осуждения со стороны общества. Но викторианцы нашли способ выражать свои чувства и намерения. Они делали это через цветы. Тогда всего один правильной букет мог передать вулкан страстей, кипящий в душе влюбленного воздыхателя.

Но самое пронзительное высказывание о розах в искусстве — это, конечно, натюрморт. Голландский «цветочный» жанр XVII века превратил комбинацию белых и красных роз в философский трактат.

Когда эти два цветка соединяются в одной вазе - например, цветы Яна Давидса де Хема(1606-1624) - одного из самых выдающихся и успешных живописцев Золотого века голландской живописи. Он прославился как непревзойденный мастер натюрморта, чьи работы сочетали в себе виртуозную детализацию, глубокий символизм и роскошную цветовую гамму. В его натюрмортах белая и красная розы несут глубокий религиозный, философский и аллегорический смысл, раскрываемый через их оттенки и состояние.

Символика белой розы- Невинность и чистота, Богородица, Скромность, Наряду с фиалками и незабудками, белые бутоны подчеркивают христианское смирение перед лицом Творца.

Символика красной розы -земная жизнь и красота, Христовы страсти, Мученичество и любовь: Исторически символизирует милосердие, божественную любовь и кровь христианских мучеников.

Художник Амброзиус Босхарт Старший из Нидерлан (1537-1561)

изображает алхимический брак противоположностей: духа и материи, невинности и опыта, жизни и смерти. Они тянутся друг к другу, но один цветок всегда склоняет голову раньше. Это пантомима человеческих отношений.

Белая роза на этих холстах почти всегда поражена дефектом: у нее надломлен стебель, лепесток тронут коричневой гнильцой, на листе сидит гусеница. Это символ того, что абсолютная чистота в земном мире невозможна, она неизбежно портится временем. Красная же роза, напротив, часто изображается в самом соку, пышущей здоровьем, но с каплей росы, похожей на слезу, или с воткнувшимся в стебель шипом — страсть полна сил, но она ранит.

Концепция Vanitas и Memento Mori

В голландском натюрморте XVII века розы любого цвета редко служат лишь украшением.

Контраст духа и плоти: Противопоставление белых цветов (символов вечной веры и чистоты) и красных (символов временных земных услад).

Быстротечность времени: Пышно распустившаяся роза напоминает зрителю о концепции memento mori (помни о смерти). Её лепестки увядают и осыпаются у основания вазы быстрее других растений, подчеркивая хрупкость человеческого бытия и неизбежный финал земной красоты

Молчаливые свидетели

Почему же мы видим эти цветы так часто? Роза универсальна, она растет и в Эдеме, и на могиле. Но именно дуализм белого и красного делает её идеальным инструментом художника. Это готовая метафора двойственности нашего мира.

Смотрю на изображения роз у старых мастеров сегодня и понимаю: это искусство для внимательных. Художник не мог позволить себе сказать лишнего слова, он вкладывал послание в наклон лепестка. В следующий раз, когда увидите на картине букет, где переплелись алебастровая белизна и алая кровь розы, знайте — вы смотрите не просто на ботаническую иллюстрацию, а на историю любви, смерти и надежды на бессмертие.

Изображение роз , как и сами цветы никогда не перестанут радовать глаз и скрашивать моменты жизни всех людей без исключения. Живопись – прекрасный лишить эти моменты от увядания, как, например на картинах сообщества художниковМУШТАБЕЛЬ – maulstick.ru